COTART

La vida es arte, por eso haz de tu vida un bonito cuadro que pueda ser admirado por todo el que lo contemple.

El arte, por su parte, es el conjunto de creaciones 

humanas que expresan una visión sensible sobre el

 mundo, tanto real como imaginaria. Los artistas 

apelan a los recursos plásticos, sonoros o   lingüísticos 

para expresar sus emociones, sensaciones e ideas.

 La educación artística, por lo tanto, es el método 

de enseñanza que ayuda al sujeto a canalizar sus 

emociones a través de la expresión artística. En este 

sentido, este tipo de educación contribuye al desarrollo cultural del hombre.

EL  RENACIMIENTO

El renacimiento fue una época en la que el arte, la ciencia y la cultura tuvieron un gran desarrollo. Esta época fue un "renacer" de las ideas y técnicas de la época clásica de Roma y Grecia.

Durante la edad media el arte se vio muy restringido a causa de las guerras, la pobreza, las pestes y el hambre que asolaron a Europa durante cientos de años. La pintura y la música se convirtieron en oficios a los que solo los monjes tenían acceso.

A finales del siglo 14 y durante los siglos 15 y 16 las cosas cambiaron drásticamente en Europa y al mejorar las condiciones de vida y volver la paz, la gente comenzó a descubrir el arte y a disfrutar de la música y las comodidades que traían los nuevos inventos.

El renacimiento nació en Italia. Italia es una península que por su ubicación en el mar mediterráneo, fue un lugar obligado para todas las rutas de comercio desde los tiempos más antiguos. Allí se encontraban viajeros de diferentes países y culturas y en el siglo 13 se inició un movimiento llamado humanismo. Los humanistas estudiaban el arte y la cultura de los griegos y romanos que habían vivido allí mismo, varios siglos antes.

Los humanistas eran personas que no estaban ligadas a la iglesia y comenzaron a crear escuelas que reemplazaron en buena medida a los monjes, que hasta ese momento eran los únicos que enseñaban a los niños y jóvenes. Los humanistas comenzaron a escribir en sus propios idiomas y no en griego y latín, como se hacía hasta ese momento. Esto permitió que mucha gente que no conocía estas lenguas antiguas tuviera acceso al conocimiento.

EL COLOR

El color es una sensación que se percibe gracias al sentido de la vista. Esta sensación se produce cuando la luz que ilumina un objeto o una imagen es reflejada y llega a nuestros ojos. La luz y el color se transmiten por el espacio mediante ondas.

En el fondo de nuestros ojos hay unas células llamadas conos y bastones que se activan al recibir la luz, y mediante impulsos eléctricos llevan la información del color que estamos viendo a nuestro cerebro.

EL ARCO IRIS Y EL PRISMA DE 

NEWTON

La luz blanca del sol está formada por la unión de los colores del arco iris, que se produce cuando los rayos del sol atraviesan pequeñas gotas de agua contenidas en la atmósfera terrestre.

Fue Isaac Newton quien descubrió en el año 1666 el espectro de la luz solar. Para ello, hizo pasar un rayo de luz solar por un prisma de cristal y observó cómo la luz blanca se dispersaba en diferentes colores sobre una pantalla blanca, dando lugar a lo que denominamos el espectro visible de la luz solar, que está formado por los colores: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta. Los colores son ondas, y cada color tiene una longitud de onda diferente, por eso cuando la luz blanca entra en el prisma, cada color toma un camino distinto y lo atraviesa a distinta velocidad, por eso los colores se separan.

TIPOS DE COLORES Y SUS 

RELACIONES

Colores primarios

Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún otro por lo que se consideran absolutos, únicos.

Tres son los colores que cumplen con esta característica: amarillo, el rojo y el azul. Mezclando pigmentos de éstos colores pueden obtenerse todos los demás colores.

Colores secundarios

Son los que se obtienen mezclando dos colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y naranja o anaranjado (S).

Colores terciarios

Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente :

1. amarillo terciario = (verde+naranja
2. rojo terciario = (naranja+violeta)
3. azul terciario = (verde+violeta)

Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media.

EL CÍRCULO CROMÁTICO

Desde un punto de vista teórico un círculo cromático de doce colores estaría formado por los tres primarios, entre ellos se sitúan los tres secundarios y entre cada secundario y primario el terciario que se origina de su unión.

El blanco y el negro no pueden considerarse colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático, el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total. Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala de grises" o "círculo de grises".

CUALIDADES DEL COLOR

 Tono

Es el nombre que se le da a cada color.

La tonalidad es el estímulo que nos permite distinguir un color de otro, la sensación cromática con la que se diferencia cada parte del espectro, el color en si mismo.

Saturación

Es el grado de pureza de un color, la sensación más o menos intensa de este.

Los colores más saturados o intensos son los seis colores fundamentales. Cuando se mezclan con blanco, con negro o con otros colores pierden intensidad.

Luminosidad

Distingue el grado de claridad o luz de un color. Cuando añadimos blanco a un color, aumentamos su valor y cuando añadimos negro le restamos valor. El grado máximo de valor lo tiene el blanco y el mínimo el negro.

LENGUAJE VISUAL 

OBJETIVO

Es el que transmite una información de modo que solo puedatener una interpretación, por ejemplo el lenguaje técnico y científico. A este grupo pertenecen sobre todo el dibujo técnico y sus diferentes ramas.

 

LENGUAJE VISUAL 

ARTÍSTICO

Posee una función estética. Dentro de este grupo hay una gran variedad de disciplinas, por ejemplo la mayoría de las “Bellas Artes” (pintura, escultura, etc...), la fotografía, la expresión corporal, los comics etc...

Cabe destacar en este tipo de lenguaje la interacción con la poesía, que enfatiza aún más el significado de la obra de arte, una escultura o pintura inspirada en un acto poético llega a la sensibilidad del receptor y adquiere una dimensión artística que sólo los grandes creadores pueden emitir.

LENGUAJE VISUAL 

PUBLICITARIO

Su objetivo es informar, convencer y vender. El uso de este lenguaje puede aglutinar otros tipos de actividades que forman parte del grupo del lenguaje visual artístico, como son la pintura y la fotografía, pero sólo como medio para alcanzar su único fin que es el publicitario. Las disciplinas propias de este tipo de lenguaje son el dibujo publicitario y las artes gráficas.

VISIÓN Y PERCEPCIÓN

Son dos procesos dependientes entre sí, pero muy diferentes. Hablamos de visión cuando nos referimos al hecho físico de recibir y sentir la luz con nuestro aparato ocular.

Estas sensaciones visuales deben ser procesadas por el cerebro para que puedan ser comprendidas, a esto le llamaremos percepción. Podemos estudiar la percepción desde distintos puntos de vista:

PERCEPCIÓN DE LA FORMA

Nuestra percepción no es capaz de comprender un número ilimitado de elementos independientes. Ante una cantidad excesiva de elementos disonantes, fracasa y los rechaza.

Esto hace que nuestro sistema perceptivo tienda a unificar y organizar los elementos de la imagen en unidades simples. Contrariamente a lo que se pueda pensar primero percibe el conjunto y después pasa a identificar las partes.

Para conseguir simplificar y dar forma a las imágenes que recibe, la percepción trabaja según una serie de "leyes". Estas son algunas de ellas :

LEY DE PROXIMIDAD :

Nuestra percepción tiende a asociar los elementos que se encuentran cerca y considerarlos como un grupo.

 

1. LEY DE LA FORMA CERRADA :

Para nuestra percepción una forma cerrada tiene más coherencia que una abierta.

2. LEY DE LA SIMILITUD :

Nuestra percepción tiende a asociar los elementos que tienen parecidas propiedades. 
Por ejemplo de forma, color, textura, dirección...

En el siguiente ejemplo al cambiar de color percibimos los diez círculos como cinco parejas.

PERCEPCIÓN DEL ESPACIO

Diferencia de tamaño :

Ante dos objetos aparentemente iguales nuestra percepción asume que el más pequeño se encuentra más lejano.

 

Diferencia de tono:

Los objetos más cercanos tienden a tener un color más cálido. Con la distancia el color de los objetos varía hacia tonalidades más frías, debido al efecto de filtro del aire atmosférico. Nuestro cerebro percibe como más lejanos los tonos fríos.

Diferencia de saturación :

Las partículas de agua y polvo que se encuentran suspendidas en el aire producen un efecto de filtración de la luz, esto hace que veamos los objetos lejanos con un color más pálido (menos saturado). Nuestro cerebro percibe como más lejanos los colores poco saturados.

Diferencia de altura :

Los objetos apoyados en el suelo que se encuentran cerca de nosotros los vemos dentro de nuestro campo de visión más abajo que los que se encuentran más lejanos. Por esto en cualquier imagen cerebro percibe como más cercano a nosotros los elementos que se encuentren más abajo.

PERCEPCIÓN DEL COLOR

Cuando vemos un color, nuestra percepción de él es influida por los colores que lo rodean. Nunca podremos considerar las características de un color como absolutas sino siempre relativas al entorno. En el siguiente ejemplo podemos ver como en cada fila de cuadrados los centrales, que tienen el mismo color, parecen tener colores distintos.

                                                                     El Punto

Es el elemento de expresión plástica más pequeño. El punto no tiene dimensión pero puede cambiar de tamaño, color y forma. Puede configurar líneas y formas por medio de la alineación y la agrupación.

EL PUNTO EN SOLITARIO

El punto tiene una gran fuerza expresiva que atrae la mirada tanto si está aislado como combinado con otros puntos.

Si dibujas un punto en una hoja de papel se convierte en el centro del campo visual y crea una tensión que atrae intensamente la mirada del espectador. Las sensaciones que produce pueden ser muy diferentes según la posición en la que está colocado. Así, si dibujamos un punto en el centro de la hoja, dará la sensación de quietud, estabilidad e importancia, ya que las tensiones visuales van hacia el centro.

En cambio, si lo desplazas, la sensación será de inestabilidad y movimiento, ya que obliga a los ojos a moverse hacia el.

La sensación que se produce varía según la situación del punto, porque entra en juego la percepción subjetiva que produce nuestra experiencia visual.

En otro ejemplo, un punto colocado en la parte superior de la hoja transmite una sensación de importancia, pero también de desequilibrio, como si se fuese a caer; por el contrario, si está en la parte inferior, la impresión producida será de calma y reposo, y si se desvía hacia la derecha de continuidad, como invitando a pasar la hoja.

EL PUNTO AGRUPADO

Mediante la concentración y la dispersión de puntos podemos sugerir el claroscuro, conseguir efectos volumétricos y modular las formas de los objetos.

Ordenando los puntos de forma conveniente , podemos representar cualquier imagen pues el punto es la base de todas ellas.

Si ampliamos la imagen de un dibujo de una revista o hacemos un zoom con una imagen en nuestro ordenador, observamos que están compuesta por la agrupación de miles de puntos de distinto color.

EL PUNTO EN EL ARTE

A lo largo de la historia muchos artistas y estilos de pintura han usado el punto como la base para expresar las formas que los han caracterizado. Desde el uso del mosaico hace más de 2000 años hasta los cuadros tipo cómic de Roy Lichtenstein en la segunda mitad del siglo XX, pasando por el estilo puntillista de Seurat. Citamos algunos ejemplos :

Mosaico Bizantino (anónimo)

Detalle de La Parade (1889), obra puntillista de Seurat

Vasily Kandinsky Composición 8, julio de 1923

Joan Miro La poesía

Lichtenstein's 1965 “Sunrise”

La Línea

Una línea es una sucesión continua de puntos. En dibujo, la línea se denomina también raya, y es la huella que deja un útil sobre una superficie (papel, plástico, madera...) cuando se desplaza sobre ella. Físicamente la línea no existe, en realidad, se trata de un concepto inventado por el hombre.

La línea es considerada como el elemento fundamental del dibujo y de la escritura, puesto que las letras están formadas también por líneas. El niño desde los primeros años comienza a dibujar líneas, que primeramente son garabatos y que, más tarde, irá dando forma hasta obtener dibujos.

La línea en la pintura rupestre

 TIPOS DE LÍNEA

Básicamente podemos decir que existen dos tipos de líneas ; las rectas y las curvas.

La línea recta es obtenida cuando no se modifica su dirección y la curva cuando ésta varía constantemente. La línea recta puede ser: horizontal, vertical e inclinada. Si combinamos las líneas rectas y curvas se obtienen otras denominadas mixtas, que en el mundo real son las que más predominan.

algunos tipos de línea

VALOR SIMBÓLICO DE LAS LÍNEAS

En general una línea nos transmite siempre la sensación de delgadez, pero cuando éstas se agrupan pueden comunicarnos otras sensaciones en función del tipo de línea que predomine.

1. Líneas verticales : Nos sugieren elevación física o espiritual, equilibrio, actividad, vida, masculinidad, solidez, por ejemplo, asociamos solidez a las construcciones que se elevan sobre el suelo.
2. Líneas horizontales : Simbolizan tranquilidad, reposo, seguridad, estabilidad. La justificación la encontramos porque es sobre planos horizontales en donde nos movemos y sobre los que descansamos.
3. Líneas oblicuas : Simbolizan falta de equilibrio o inestabilidad, acción, movimiento. Las líneas oblicuas ascendentes hacia la derecha expresan dinamismo, mientras que las descendentes hacia la izquierda expresan caída.

Así, por ejemplo, nuestro cuerpo ante una caída libre o pérdida del equilibrio adopta una posición inclinada.

1. Líneas curvas : Representan movimiento, sensibilidad, vibración, sensualidad, suavidad, feminidad, indecisión, intranquilidad. Si la curva es cerrada simboliza encierro, confort, y si es abierta, evasión.

Si observas la naturaleza (árboles, plantas, hojas, montañas...), veras que este tipo de líneas son las que más abundan.

LA LÍNEA COMO CONTORNO

Llamamos contorno a la línea cerrada que limita a las formas. Al dibujo de contorno se le suele llamar también silueta. Mediante el contorno y nuestras experiencias previas reconocemos los objetos. Los contornos básicos son el círculo, el cuadrado y el triángulo.

 LA LÍNEA Y EL VOLUMEN

La percepción de volumen viene dada por la ilusión que nos provoca una disposición específica de un conjunto de líneas. En el dibujo artístico la unión y el cruce de líneas, más o menos cerca entre sí, nos sugiere la idea de volumen de una forma realista. En el dibujo técnico unas pocas líneas nos hacen ver la forma perfecta de un cuerpo geométrico.

LA LÍNEA EN LA OBRA DE ARTE

La línea aparte de ser un instrumento para representar la forma también se usa como guía para la composición de la obra de arte.

Si analizamos a fondo una obra de arte vemos que los elementos que la componen siguen unas reglas de composición definidas por líneas imaginarias que aportan proporcionalidad y armonía a la hora de percibirlas.

Si observamos la pintura de un paisaje, la posición de la línea del horizonte en relación con el cuadro determina el equilibrio entre el cielo y la tierra y depende del mensaje del artista la situación de ésta, una línea de horizonte más baja corresponde a un espacio más amplio, mayor volumen y grandiosidad, por el contrario una línea de horizonte más alta transmite un espacio más cerrado menor volumen y más cercanía.

El uso de líneas imaginarias en la composición siguiendo patrones geométricos (círculos, triángulos, cuadrados, convergencia de líneas, etc...) ayuda al artista en la percepción de la obra que quiere expresar

Paisaje de Canaletto

Líneas compositivas en un cuadro de Jacques-Louis David

La Forma

CONCEPTO Y PERCEPCIÓN DE LA FORMA

Forma es la apariencia de todo lo que vemos (dibujos, esculturas, objetos, personas, animales, etc...). Las formas surgen como consecuencia de la interpretación de las imágenes.

Identificamos todos los objetos y seres que nos rodean a través de su forma. En este proceso de identificación van a influir nuestras experiencias, vivencias previas, estado emocional y las condiciones ambientales que rodean al objeto.

La forma puede ser percibida por cualquiera de los sentidos que tenemos (vista, oído, tacto, gusto, olfato) o por combinación de varios de ellos.

El niño, desde sus primeros años percibe muy pronto las formas, lo cual es uno de los factores fundamentales del conocimiento que va adquiriendo.

Si a un niño de preescolar se le dibuja un círculo y le preguntamos por su significado, el niño lo asociará a sus experiencias conocidas y dirá que se trata de una pelota. De este modo, el niño irá asociando las formas a los objetos conocidos.

A veces solo por el contorno podemos percibir las formas.

 CARACTERÍSTICAS DE LA FORMA

Las formas pueden agruparse en :

1. Bidimensionales o planas : tienen dos dimensiones (anchura y altura).
2. Tridimensionales : porque tienen tres dimensiones (anchura, altura y profundidad).

Forma bidimensional                                             Forma tridimensional

TIPOS DE FORMA

Existe una variedad amplia de tipos de formas. Así, las formas pueden ser naturales (nubes, hojas...) o artificiales (silla, dibujo...). A su vez, estas formas pueden clasificarse en: orgánicas (bordes regulares) y geométricas (orden matemático).

Forma natural                                                                                                                                                               Forma artificial

 

Forma orgánica                                                                                                                                                                                         Forma geométrica

ESTRUCTURA DE LA FORMA

Toda forma se sustenta en una estructura interna, así la forma de una hoja tiene como estructura todo el entramado de nervios primarios y secundarios, siendo la forma de la hoja el envoltorio de la estructura. A su vez los nervios están formados también de formas que los sustentan así sucesivamente hasta llegar a las células y moléculas. La forma de la estructura es un factor determinante que va a influir en su resistencia.

La forma de la hoja está sustentada por una estructura

de nervios principales y secundarios

REPRESENTACIÓN DE LA FORMA

Las formas se pueden agrupar en dos grandes grupos :

1. Figurativas : se representa la forma lo más parecido posible a la imagen real.
2. Abstractas : se representan éstas por medio de sensaciones que el artista trata de transmitirnos.

 

La Virgen del Canciller Rolin, Jan Van Eyck (1435)     Arte abstracto

(Arte figurativo)

La forma puede representarse mediante el contorno, la silueta o el dintorno.

1. El contorno : Se dibuja la forma por una línea cerrada que representa la parte más extrema de la forma. El dibujo que se obtiene es simple.
2. La silueta : Representa un contorno cuyo interior se rellena de un color. Se utiliza cuando se desea destacar algo o imitar el efecto de contraluz.
3. El dintorno : Es la manera de representar la forma con todos los detalles interiores en cuanto a color y textura.

FORMAS PLANAS

Forma plana es la figura de dos dimensiones limitada por rectas, curvas o por combinación de ambas. La forma plana es un concepto inventado por el hombre, en realidad estamos rodeados únicamente de formas tridimensionales. Para su estudio las agrupamos en: regulares, irregulares, libres, figurativas, iguales y simétricas.

1. Regulares : Son figuras que tienen sus lados y sus ángulos iguales.

2. Irregulares : Son figuras que no tienen todos sus lados y sus ángulos iguales.

3. Libres : Son las limitadas por líneas curvas libres y sinuosas (onduladas).

Pere Ignasi

4. Figurativas : Son formas que guardan un parecido con objetos o elementos conocidos.

Pieter Brueghel el Viejo, Los cosechadores,1565

5. Iguales : Son las que al superponerse coinciden.

 

Simétricas : Son las que, teniendo la misma forma y tamaño, su posición queda invertida respecto de un eje imaginario que las divide.

 FORMAS PLANAS BÁSICAS

Las formas geométricas básicas son: el triángulo, el cuadrado y el círculo.

1. El triángulo : Tiene un fuerte sentido de verticalidad cuando es representado apoyado con un lado horizontal, dando sensación de reposo o estabilidad; pero si es representado apoyado por un vértice, nos produce la sensación de equilibrio inestable y por tanto, de tensión, conflicto, lucha, indecisión, etc.
2. El cuadrado : Es una figura estable y sólida aunque sean modificados sus lados y convertido en un rectángulo.Teniendo en cuenta que las líneas horizontales se asocian con lo terrenal y las verticales con lo espiritual, el cuadrado, por tener sus lados iguales, y estos situados en posición horizontal y vertical ambas fuerzas (terrenal y espiritual) se compensan o equilibran. Los artistas,utilizan la forma cuadrado en el formato de sus obras cuando quieren transmitir sensaciones de equilibrio, estabilidad, rectitud, esmero, etc.
3. El círculo : Es la forma geométrica perfecta. Puede tener diferentes significados: inestabilidad, protección, totalidad, cerrado, etc. En el arte se le ha relacionado con lo mágico o divino.

 ILUSIONES FALSAS EN LA PERCEPCIÓN VISUAL

En ocasiones, percibimos formas difíciles de reconocer debido a que nuestra percepción nos confunde. Es el caso de las denominadas ilusiones ópticas.

En la percepción visual tendemos a completar formas aunque estas aparezcan dibujadas incompletas.

La relación espacial entre objetos próximos desempeña también un papel importante; de este modo, es fácil confundir dos figuras que siendo del mismo tamaño la influencia del entorno causa que las percibamos de distinto tamaño.

                                   

La Textura

                                                             

DEFINICIÓN

Se entiende por textura el aspecto o rugosidad exterior que presentan las superficies de una materia o de un objeto. Todo material posee en su superficie una textura propia que lo diferencia de otro. La textura puede ser apreciada a través del tacto o de la vista. Nuestras experiencias visuales nos permiten identificar los objetos por el conocimiento de la forma de la textura.

Otras veces, necesitamos además tocar la superficie del objeto para completar nuestra información.

TIPOS DE TEXTURA

Podemos crear tres grupos para clasificar los distintos tipos de texturas.

• Visuales y táctiles.

• Naturales y artificiales.

• Orgánicas y geométricas.

Visuales y táctiles

Las texturas visuales son fotografías o representaciones gráficas sobre papel que podemos apreciar mediante la vista, mientras que las texturas táctiles las percibimos por medio del tacto.

Textura visual

Textura táctil

Naturales y artificiales

Las texturas naturales como su nombre indica se encuentran en la naturaleza y su formación obedece única y exclusivamente a leyes naturales. Son ejemplos de algunas de ellas, la corteza de los árboles, las hojas, las piedras, la cáscara de las naranjas, etc...

Las texturas artificiales son las obtenidas por el hombre mediante procesos de manipulación de las texturas naturales. Son ejemplos de este tipo de texturas, la cubierta de una rueda, el chapeado de una puerta, la superficie de revestimiento de las paredes, etc.

Textura natural

Textura artificial

Orgánicas y geométricas

Las texturas se denominan orgánicas si la distribución de sus elementos se rige por las leyes de la naturaleza, independientemente de que éstas hayan sido manipuladas por el hombre. Por ejemplo, una pastilla de jabón, el aspecto de una esponja, el veteado del mármol...

Las texturas se denominan geométricas si la distribución de sus elementos se realiza de forma geométrica. Son ejemplos de ellas, el dibujo del pavimento del suelo, el dibujo que presenta el papel de envolver, el dibujo de unas cortinas...

Textura orgánica

Textura geométrica

ELABORACIÓN DE TEXTURAS VISUALES

Técnica del frottage

Técnica de fricción o frotamiento automático descubierto por Max Ernst que consiste en transferir al papel o al lienzo el veteado o rugosidad de una superficie con la ayuda de un sombreado o lápiz.

Técnica del salpicado

Consiste en salpicar gotas de pintura al azar sobre el papel. Para ello podemos usar un cepillo impregnado en pintura.

Técnica del estampado

Consiste en impregnar una superficie (dedo, corcho, esponja, objeto) y

después estamparlo sobre el papel repetidas veces.

 ELABORACIÓN DE TEXTURAS TÁCTILES

La técnica del collage puede emplearse para la confección de composiciones con texturas táctiles. Esta técnica consiste en elegir materiales como pueden ser palillos, cartón, arpilleras, papeles, hojas de árboles, etc. Una vez seleccionados los materiales que vamos a utilizar teniendo en cuenta sus características de textura y color, se fijan con algún tipo de pegamento o cola sobre una superficie rígida. Después se pueden pintar para dar mayor uniformidad a las texturas.

TEXTURAS DIGITALES

El ordenador es un medio que facilita enormemente la creación de texturas visuales. Basta para ello disponer de un programa de diseño gráfico para poder dibujar texturas como las representadas en estas ilustraciones. Trabajando con las texturas, podemos crear o modificar imágenes digitales utilizando software informático adecuado.

Textura photoshop

 LA TEXTURA EN LA OBRA DE ARTE

El artista utiliza las texturas para dar un efecto expresivo y comunicativo que nos ayuda a entender mejor la obra de arte. Hay artistas que crean texturas mediante la aplicación directa del color con la espátula o con otros materiales como arena, azúcar, arroz, etc...

Hoy, las nuevas tecnologías también pueden utilizarse para crear texturas, mediante el uso adecuado de software de diseño gráfico.

Obra de Tapies

LAS TÉCNICAS

Las técnicas son todos los procedimientos o maneras de utilizar los materiales. Los materiales son las herramientas con las que podemos dibujar, pintar, esculpir o realizar las técnicas de impresión.

Existen muchas técnicas y materiales utilizados tradicionalmente. A éstos, en los últimos años, se han añadido nuevas técnicas aportadas por las Nuevas Tecnologías, las posibilidades que ofrecen para expresarse y experimentar son múltiples ya que se pueden combinar y mezclar técnicas y materiales diferentes.

TÉCNICAS SECAS Y HÚMEDAS

Las técnicas secas se presentan en forma de lápiz o barra y se pueden aplicar directamente; las técnicas húmedas son aquellas en las que los pigmentos se encuentran diluidos en un medio acuoso o aceitoso y están contenidas en un tubo, tarro o pastilla. Las primeras son más precisas y las segundas ofrecen más calidades, colores más intensos y mayor posibilidad de realizar diferentes texturas.

Técnicas secas : 

-El lápiz de grafito:

Es el medio más común para dibujar. Creado por el francés Conté a finales del siglo XVIII puede tener diferentes grados de dureza. Los lápices más blandos se emplean para el dibujo a mano alzada y para el sombreado ya que permiten una mayor variedad de trazos y tonalidades. Los lápices más duros para dibujos técnicos que requieren una mayor precisión. El principal soporte para utilizar el lápiz de grafito es el papel.

Dibujo de caballo, Leonardo Da Vinci

-Lápices de colores:

Permiten realizar dibujos con una gran variedad de tonos de colores y ofrecen la posibilidad de realizar gradaciones o texturas a base de tramas de líneas cruzadas. Como los lápices de grafito los hay de diferentes grados de dureza y los hay también, acuarelables.

Rotuladores:

Es una técnica en continua evolución ya que a menudo aparecen nuevos modelos con distintas posibilidades gráficas. Su principal característica es que están formados por un tubo donde reposa la tinta y un puntero que la aplica sobre el soporte del dibujo, pueden también crear transparencias. Debido a sus características, es importante recordar que primero deben aplicarse los colores claros y luego las más oscuros.

Carboncillo :

Llamamos carboncillo al carbón vegetal. El carboncillo se utiliza para hacer dibujos preparatorios, estudios detallados de claroscuro y para esbozar la composición de una pintura de óleo o acrílico. Se utiliza tanto para el dibujo a línea como para la mancha, permitiendo la obtención de variadas gamas de grises. También se utiliza en los dibujos académicos, consiguiendo un suave modelado en el que se reproducen sombras, luces y reflejos con mucho detalle.

Ceras:

 Las ceras son una mezcla de pigmentos más cera y grasa animal como aglutinante. Por su composición, las ceras aportan a los dibujos, una plasticidad muy característica como poder crear efectos de luz y textura con los dedos.

Edgar Degas

EL COLLAGE :

Es una técnica que se basa en pegar sobre una superficie dibujos, fotografías o diferentes objetos (madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc...), sobre diferentes soportes como cartón, lienzo o tabla. El término viene del francés y significa pegado, encolado. Los cubistas como Georges Braque o el artista español Pablo Picasso fueron los primeros en realizar collages pero luego todos los movimientos de vanguardias posteriores los hicieron. Existen otras técnicas relacionadas con el collage como son: el fotomontaje y el decoupage.

Ejemplo de collage

 TÉCNICAS HÚMEDAS :

LA TÉMPERA :

Este tipo de pintura se caracteriza por ser opaca y cubriente, lo que permite trabajar tintas planas y corregir errores. También nos da la posibilidad de trabajar con capas traslúcidas si le añadimos más agua.

La acuarela:

La acuarela se distingue de otros medios acuosos como la témpera (o gouache) por ser una pintura transparente en la que el color se trabaja por capas. Los colores resultan muy brillantes y los blancos los dará el blanco del papel. Es necesario utilizar papeles de textura rugosa y alto gramaje para que absorban parte del agua.

Además, la técnica se puede emplear como base para diferentes procedimientos como reservar zonas con cinta adhesiva o enmascarador o mezclarla con ceras, sal, plásticos, etc. Las posibilidades son infinitas.

Acuarela, paisaje marino.

Óleo:

Su nombre proviene del aglutinante aceitoso que contiene, ya que está compuesto por pigmentos y aceites como el de linaza. Se presenta en tubos de pintura y es una técnica muy utilizada porque permite conseguir variados efectos de claroscuro, colores y texturas.

Óleo paisajístico, Monet

TÉCNICAS DE IMPRESIÓN

Las técnicas de impresión son los diferentes métodos mediante los cuales se crean estampaciones o impresiones de imágenes semejantes, realizadas previamente sobre una matriz o plancha y actualmente también en soportes digitales propios de las nuevas tecnologías.

El grabado es el arte que utiliza estas técnicas que permiten la reproducción de imágenes en serie. Las diferentes técnicas de grabado que existen se clasifican en cuatro grandes grupos.

El grabado en relieve:

Se retira material de la matriz, quedando en el plano superior la imagen (en negativo) que queremos obtener. Las técnicas más importantes son la xilografía (matriz de madera) y el linóleo (material sintético).

Xilografía, matríz de madera y estampado.

El grabado en hueco:

Emplea planchas de metal sobre las que se actúa con diferentes herramientas (método directo) y/o procedimientos químicos (métodos indirectos) para formar los surcos en los que se depositará la tinta que formará la imagen. Técnicas: punta seca, aguafuerte, aguatinta, etc...

El grabado en plano:

Su principal exponente es la litografía que utiliza una piedra como plancha. Una de las técnicas de impresión más utilizadas en la actualidad y un método relativamente reciente es la serigrafía que se basa en hacer pasar tinta o pintura a través de una plantilla de seda o fibra sintética a un papel o tejido.

Proceso de creación de litografía.

Impresión digital:

La impresión digital es un proceso que consiste en la impresión directa de un archivo digital a papel, tela, plástico, etc..., por diversos medios, siendo el más común la tinta en impresora de inyección de tinta (cartuchos), y toner en impresora láser.

Impresión digital publicitaria con plotter.